Le Journal de l'Art juin 2023

Sep 26, 2023

5 juin 2023 • Partager —

Le journal d'art de juin comprend Gwen John, Marc Chagall, Louis Carreon, Peter Howson, Laura Knight, Cecilia Vicuña et Yun Hyong-keun.

La conversion de Gwen John au catholicisme en 1913 et ses effets sur son art n'ont pas encore été pleinement reconnus, mais « Gwen John : Art and Life in London and Paris » à Pallant House représente une autre étape sur le chemin. La conversion de John signifiait qu'elle cherchait de nouvelles méthodes pour donner vie à la foi dans son art. L'art et la foi étaient déjà explorés dans une large mesure à Paris et, dans la préface de son catalogue pour son exposition personnelle à Londres en 1926, elle citait le principal artiste religieux français moderne, Maurice Denis, qui avait défendu l'union de l'art et du catholicisme de manière expérimentale. Elle admirait également le travail de Georges Rouault, l'éminent artiste catholique romain de son temps, et de Paul Cézanne, qui cherchait à explorer l'élément éternel de l'Univers, le "Pater Omnipotens Aeterna Deus". De plus, à Meuden, où elle vivait, elle était voisine du philosophe catholique Jacques Maritain (qui tenait régulièrement des cercles d'étude chez lui en présence d'artistes importants), étant une amie proche de sa belle-sœur Véra Oumançoff.

John avait également été influencé par le poète Rainer Maria Rilke, qui a travaillé pendant un certain temps comme assistant d'Auguste Rodin. Ils se sont rencontrés à l'atelier de Rodin dans les années 1900 et sont devenus amis. Dans ses écrits, Rilke "a cherché à redonner de l'esprit au matérialisme occidental", encourageant "une prise de conscience accrue de la façon de vivre avec le monde tel qu'il est, de la façon de conserver un sentiment de transcendance dans un monde de certitude spirituelle effondrée". John possédait plusieurs livres sur Rilke et, après sa mort en 1926, elle continua de s'adresser à lui dans ses notes privées, écrivant : « Rilke ! Tiens-moi la main !… Apprends-moi, inspire-moi » et, en 1931, « Je suis calme et serein, n'est-ce pas ? Quand je pense à Rilke ou à mon travail ?

John a écrit d'elle-même comme étant "la petite artiste de Dieu" et d'entrer "dans l'art comme on entre dans la religion". L'attention qu'elle a portée à la fois aux sujets de ses peintures à l'huile en évolution lente et aux croquis rapides qu'elle a faits de la population locale à l'église semble, pour elle, avoir été assimilée à la prière. Elle se considérait comme une créature sensuelle incapable de prier longtemps mais, inspirée par le "Petit Chemin" de Sainte Thérèse de Lisieux, qui décrit comment la plus petite chose peut être faite au nom de Dieu, a écrit qu'elle doit être une sainte dans son travail. Ce qu'elle pouvait exprimer dans son travail, écrivait-elle, c'était le "désir d'une vie plus intérieure". En conséquence, son art médite tranquillement sur la beauté de l'existence quotidienne d'une manière qui, plutôt que de mettre son travail à côté de celui des artistes du renouveau catholique français, la place avec Jean-Baptiste Simeon Chardin, Giorgio Morandi et Vilhelm Hammershøi.

Marc Chagall, peut-être le plus grand interprète visuel de la Bible au XXe siècle, faisait partie des artistes qui se sont particulièrement liés à Maritain. Sa vision de l'Ancien Testament combine son héritage juif avec l'art moderne, offrant une riche démonstration de symboles et d'imagination. "Depuis ma prime jeunesse, j'ai été fasciné par la Bible", a déclaré Chagall. "Il m'a toujours semblé, et il me semble encore, qu'elle est la plus grande source de poésie de tous les temps. Depuis lors, j'ai cherché cette réflexion dans la vie et dans l'art. La Bible est comme un écho de la nature et ce secret que j'ai essayé de transmettre." "Marc Chagall et la Bible" contient plus de 55 gravures et lithographies des œuvres graphiques de Chagall, dont dix des 105 gravures qui constituent ensemble une suite d'œuvres pour la Bible de Marc Chagall (1932–39, 1952–56), un projet monumental de 25 ans. Sont également incluses les 42 images brillamment colorées de ses suites de lithographies bibliques de 1956 et 1960, imprimées par Mourlot et publiées à Paris par Tériade pour Verve en éditions spéciales consacrées exclusivement aux lithographies originales de Chagall.

Louis Carreon et Peter Howson nous fournissent des exemples plus contemporains d'artistes d'inspiration religieuse. Avec une formation dans le tag, le rap, le skateboard et le surf, Carreon, d'origine californienne, est un artiste de rue qui échantillonne l'histoire de l'art et son iconographie religieuse. Inspiré du hip-hop, Carreon s'inspire d'images appropriées d'El Greco, Gian Lorenzo Bernini, Peter Paul Rubens et Michelangelo Merisi Caravaggio pour perturber et re-présenter les images des grands d'une manière à laquelle les jeunes peuvent s'identifier. Il dit qu'il aime "l'idée de peintures pénibles ; prendre des peintures et peindre sur de vieilles pensées avec de nouvelles idées, ajouter du langage et utiliser des formes basées sur des plantes, des vibrations chamaniques, des graffitis et des mouvements." Après avoir passé du temps dans une prison fédérale pour des crimes liés à la drogue, Carreon a trouvé la paix grâce à l'art et un nettoyage de son âme et de son esprit, l'amenant à surmonter la dépendance et à s'immerger dans l'art. Sa première exposition dans un musée fédéral s'inspire de ses racines mexico-américaines, de son appréciation des chamans mexicains et d'une visite inspirante à Shambalanté dans la jungle du Yucatan. Dans les peintures exposées, il dialogue avec le travail de Frida Kahlo et utilise des pochoirs de formes naturelles, y compris des pierres, des bâtons, des fleurs et des palmiers, pour explorer l'industrialisation agricole des terres indigènes. Ses représentations héroïques des puissants et des humbles confrontent des sujets de conflits humains et de destruction qui offrent un aperçu pénétrant de la condition humaine. Ses propres expériences d'abus - qu'ils soient auto-infligés et liés à la toxicomanie ou aux événements traumatisants de son enfance - ont façonné sa vision du monde et lui ont conféré une affinité avec les individus en marge de la société. En 1993, il a été nommé artiste de guerre officiel en Bosnie par l'Imperial War Museum, parrainé par le Times, et une section de l'exposition est consacrée à cette expérience traumatisante et déchirante.

Ces expériences de traumatisme l'ont conduit dans les profondeurs du désespoir, et avec sa vie au plus bas, Howson a tendu la main à Dieu, vivant un moment qui a changé sa vie. De nombreuses œuvres exposées au deuxième étage de la galerie sont inspirées de son cheminement de foi en cours, y compris sa série "Stations of the Cross". Sa foi a poussé Howson à continuer de réagir aux événements contemporains à sa manière. La pandémie de Covid-19 et la guerre en cours en Ukraine sont des thèmes qu'il explore dans des peintures et des œuvres sur papier récentes. Le dernier étage de l'exposition comprend des œuvres majeures séminales de la dernière décennie, telles que 'Prophecy' et 'Babylon', ainsi qu'une nouvelle série de peintures à l'encre apocalyptique entassées avec des bêtes redoutables et des œuvres grotesques. La guerre et ses conséquences. "Holocaust Crowd Scene II" est une toile monumentale offrant une représentation viscérale et obsédante de l'horreur et de la brutalité des camps de concentration nazis en représentant des prisonniers juifs dans diverses attitudes de chagrin, de souffrance et de lamentation. Sa structure et sa composition font référence à l'imagerie classique et chrétienne, comme le "Massacre des Innocents" de Rubens et les représentations du Christ mort (ou pietà), soulignant puissamment le martyre des prisonniers.Son exposition sera suivie de la présentation des deux œuvres préparatoires puissantes et perspicaces de Dame Laura Knight pour le tableau "Prisonniers sur le banc des accusés au procès de Nuremberg", qui est exposé en permanence au Musée impérial de la guerre et a été créé lors et pendant l'un des procès les plus importants de l'histoire moderne. Knight, l'une des artistes les plus distinguées du XXe siècle, a été la deuxième femme à être élue membre à part entière de la Royal Academy, la première femme à être honorée d'une rétrospective complète à la Royal Academy et la seule femme à être nommée artiste de guerre officiel dans les deux guerres mondiales. Célèbre pour ses représentations du cirque, du ballet et de la communauté rom, Knight a embrassé le réalisme et l'impressionnisme anglais au cours de sa longue et distinguée carrière. À l'âge de 68 ans, elle a été nommée artiste de guerre officielle de la Grande-Bretagne pour les procès et a obtenu un rare accès à la salle d'audience de Nuremberg. Depuis la presse américaine, elle a capturé le drame intense et l'émotion du procès de 22 criminels nazis notoires.

Les œuvres de Knight peuvent également être vues dans "Essence of Nature" à la Laing Gallery de Newcastle, qui offre l'occasion de voir ensemble environ 100 huiles et aquarelles d'artistes de renom des écoles préraphaélite, naturaliste rurale et impressionniste britannique. En tant que tel, il complète "The Rossettis: Radical Romantics" à la Tate Britain. L'exposition commence par l'idéal préraphaélite de « vérité à la nature », représenté par des artistes tels que William Holman Hunt, John Ruskin et William Dyce. Ruskin a proposé que les artistes visent à enregistrer la nature, "ne rejetant rien, ne sélectionnant rien et ne méprisant rien". Il croyait que "la plus grande chose qu'une âme humaine ait jamais faite dans ce monde est de voir quelque chose et de dire clairement ce qu'elle a vu". "Voir clairement", a-t-il dit, "c'est la poésie, la prophétie et la religion - tout en un." L'art est donc une expression de "l'amour et de la volonté de Dieu", à laquelle nous accédons principalement en regardant de près la splendeur de la nature. L'exposition comprend l'étude de Ruskin sur "Spray of Dead Oak Leaves" et sa vue sur la montagne à Mer de Glace, Chamonix, France, de 1860. D'autres œuvres préraphaélites clés incluent les aquarelles de Holman Hunt "View of Nazareth and The Plain of Rephaïm from Zion, Jerusalem" et "Cornfield at Ewell", ainsi que "Henry VI at Towton" et "George Herbert" de Dyce ', et William Inchbold's 'Le lac des Quatre-Cantons : Mont Pilatus au loin'.

Des enclos éphémères aux installations florales délicates, '[SHELTER]' par Anna Masters au Museo Spazio Pubblico de Bologne, rassemble un nouveau corpus d'œuvres couvrant deux sites - la galerie du musée et un terrain vacant adjacent. Adoptant le motif de la flore endémique, « [SHELTER] » pose des questions sur la façon dont nous habitons le lieu : les relations que nous entretenons avec la terre, la dichotomie entre les espaces publics et privés, et la performativité du lieu. À l'intérieur de la galerie, Masters présente des installations murales et suspendues de feuilles et de pétales de plantes indigènes, une ode poétique et sensible au paysage naturel. Parallèlement, des interventions sculpturales - des écosystèmes miniatures - construits à partir de déchets collectés dans le quartier local, envisagent une relation plus symbiotique avec le monde naturel. A l'extérieur, le public est invité dans des enclos intimistes, des abris floraux en tissu translucide réalisés avec des matières et des teintures naturelles. Au sein de ces expositions, nous assistons à un effondrement des normes acceptées du lieu, car l'extérieur offre un sanctuaire privé tandis que la galerie devient de plus en plus remplie de flore dans une installation "en croissance". "Sonoran Quipu" est une sculpture tentaculaire composée de débris naturels et humains collectés par des individus et des organisations à travers Tucson, rassemblés dans des cuisines, des gouttières, des studios d'artistes, des jardins et des rues. Transformant le musée en atelier, l'artiste et poétesse Cecilia Vicuña a alchimisé ces fragments, devenus inutiles, en une installation vivante. L'exposition comprend également des éléments qui offrent une petite fenêtre sur l'étendue de la pratique de Vicuña : trois vidéos, une pièce sonore, une petite bibliothèque et les vapeurs de performances, de rituels et de relations que Vicuña a créés à Tucson. 'Sonoran Quipu' sent la fragilité de notre monde alors que le changement climatique nous fait basculer vers une extinction massive. Tissant ensemble des matériaux végétaux et industriels, l'artiste invite les spectateurs à considérer la beauté et la précarité de notre monde et notre relation interconnectée avec l'environnement et les uns avec les autres. Un quipu ("nœud" en quechua) est une ancienne technologie de communication andine qui utilise des cordes nouées pour enregistrer des informations et qui a été interdite par les Espagnols lors de la colonisation de l'Amérique du Sud. Vicuña réinvente l'ancien système quipu, en incorporant des matériaux contemporains pour mettre en évidence sa capacité à connecter les mondes et les personnes. Les précarios sculpturaux de l'artiste sont décrits par l'artiste comme simultanément "sur le point de se produire" et dans un état constant de dissolution. Le precario éphémère et l'univers délicat du quipu sont composés de matériaux perçus comme jetables, reprenant du sens au rebut. Cette nouvelle commande développe les thèmes écologiques et cosmiques au centre de la pratique de la vie de Vicuña.

Hastings Contemporary accueille la toute première exposition dans une galerie publique du Royaume-Uni d'œuvres de Yun Hyong-keun, l'une des figures de proue de l'art coréen. Yun a expliqué que: "La thèse de ma peinture est la porte du ciel et de la terre. Le bleu est la couleur du ciel, tandis que l'ombre est la couleur de la terre. Ainsi, je les appelle" ciel et terre ", la porte servant de composition. " Le spectacle explore la genèse de « la porte du ciel et de la terre » dans son travail, avec plusieurs œuvres montrant son élargissement progressif jusqu'à ce qu'il disparaisse presque avec le travail de clôture - de l'année de la mort de Yun en 2007 - réalisé dans « Burnt Umber and Ultramarine Blue » (1999 et 2007), dans lequel « le ciel » est presque complètement supprimé par la « terre ». La combinaison de traits performatifs et rythmiques, de qualités méditatives et de certains aspects des peintures de Yun représentent un contraste avec le minimalisme occidental et les œuvres d'artistes tels qu'Agnes Martin ou l'expressionnisme abstrait de Rothko. L'exposition démontre ce point avec les peintures de Yun reflétant sa propre culture tout en suscitant des comparaisons avec des artistes clés du canon de l'abstraction américaine et européenne du XXe siècle. Le concept de silence créé par le travail de Yun, notamment à travers l'interprétation des portes ou des portails comme des vides, transforme également l'espace de la galerie en une chapelle ou un temple. La fenêtre sur la vieille ville a été voilée, comme les lucarnes, pour renforcer le pouvoir méditatif des peintures individuelles. Cela permet au spectateur d'être absorbé par la subtile gamme de tons qui, un examen plus approfondi, révèlent le mélange d'outremer et d'ombre à travers le mélange des deux couleurs. Utilisant les actions rituelles du tissage, du nouage, de l'enroulement et du déroulement pour explorer les possibilités sculpturales des textiles, l'artiste coréen Soojin Kang transforme les matières premières en structures qui conservent des traces indéniables de leurs origines biotiques. Entre ses mains, les textiles agissent comme des capillaires générant la force vitale des organismes étranges qu'elle fait naître à l'aide de lin, de jute et de soie teints à la main. Construites à partir de tissu enroulé, tissé, lié et drapé autour d'armatures d'acier, ses sculptures aux formes émergentes, faisant écho aux totems et aux bustes, apparaissent comme des reliques d'une horde d'offrandes aux dieux oubliés. Certains ressemblent à des parties du corps tronquées; d'autres ont distendu des abstractions de matière organique ; tous reposent sur des plinthes qui préfigurent les proportions des corps en dessous dans leur échelle. Selon les propres mots de l'artiste, l'œuvre "a l'air d'être là depuis toujours", éliminant des artefacts et des fragments d'organismes de la statuaire ancienne. Avec ses corps tissés, des excroissances fibreuses s'accrochent aux torses, des fils démêlés jaillissent d'une tête tombante ; ici, la démarcation entre l'intérieur et l'extérieur est désordonnée et fragile, et les émotions s'incarnent avant de s'exprimer.

« Disability and the Divine » à la cathédrale de Peterborough montre le travail du nouvel artiste Marc Bratcher, qui cherche à réinventer la Vierge Marie, en explorant le lien entre le handicap physique et la théologie, l'histoire, l'art, la parentalité et d'autres problèmes au 21e siècle. "Le handicap et le divin" fait partie d'un projet visant à lancer une nouvelle conversation sur le passé et l'avenir et à faire entrer de telles images du handicap et de la Vierge Marie dans autant d'églises et de cathédrales que possible. Bratcher explique : « Pendant de nombreux siècles, il y a eu une tradition de représentation des personnalités clés du christianisme d'une manière qui reflète différentes perspectives culturelles. En effet, toute l'histoire de l'art occidental en fait partie, présentant une vision très européanisée. Le handicap, cependant, a été largement absent des archives historiques et artistiques. J'espère offrir de nouvelles perspectives. En tant qu'artiste gravement handicapé atteint de paralysie cérébrale, Bratcher combine les technologies disponibles dans une expérience continue pour repousser les barrières de la créativité. Sa pratique implique une grande variété de disciplines, y compris la peinture numérique, la photographie et l'intelligence artificielle de pointe. Maureen Paley présente une nouvelle exposition de la révérende Joyce McDonald, la première exposition personnelle de l'artiste avec la galerie. McDonald, artiste multidisciplinaire et activiste, a commencé à travailler avec l'argile dans les années 1990 et a été ordonnée ministre en 2009. Dans ses œuvres sculpturales, elle consacre ses propres récits personnels : vivre avec le VIH depuis 1985 et des expériences culturelles plus larges de famille, d'amour, de perte, de maladie, de guérison, de transformation et de transcendance. McDonald est un membre artiste de longue date de Visual AIDS. McDonald travaille à la fois avec de la céramique émaillée et de l'argile séchée à l'air, détaillant souvent ses sculptures figuratives avec des matériaux à portée de main, notamment de la peinture acrylique, du blanc, des marqueurs, des paillettes, du tissu, des faux cils et des perles. Réalisées à une échelle artisanale intime, les œuvres de l'exposition prennent la forme de bustes, de sculptures en céramique ressemblant à des vaisseaux, de figures groupées et individuelles et de reliefs muraux. Commémorant souvent des événements de la vie de McDonald's ainsi que du monde en général, des sculptures récentes sont présentées aux côtés d'autres réalisées dans les années 1990. Ensemble, ils marquent des chemins personnels et collectifs, honorant la poursuite de la justice sociale et commémorant les vies perdues à cause du racisme systémique et de la violence policière.

Enfin, "Hospitalité, paix et réconciliation" est une exposition célébrant le 50e anniversaire de l'Ammerdown Center dans le Somerset. Des artistes inspirés par le thème de la paix et de la réconciliation présentent des peintures, des collages et des œuvres en 3D, des "nichoirs" à la céramique, ainsi que de l'art numérique et de la musique. Ils partagent un désir de communiquer sur le sort de la création et des réfugiés et un désir de construire la paix et la communication dans un monde de plus en plus fracturé. L'exposition cherche à refléter les valeurs d'Ammerdown et à les communiquer de différentes manières, approches et médias. Les artistes contributeurs incluent Nicola Clarke, Jane Eaton, Paul Fine, Viv Meadows, Lilith Piper, Tracey Quinn, Rev Jane Sheppard, LizBeth Spurgeon, Lorna Thomas, Jo Waterworth, Simone Woolerton et Suzanne Woodward. Martin Clark, directeur du Camden Arts Centre, a écrit à propos de Piper que ses œuvres "s'inspirent d'une riche histoire d'images folkloriques, magiques et mythologiques" et "fonctionnent comme des images et des objets puissants et poétiques, coulant et scintillant dans l'existence comme les sons fluides et sans forme d'une chanson - récupérés d'un patriarcat répressif auquel ils étaient à la fois sujet et objet, un voyage hors d'Eden raconté par une nouvelle Eve. "

'Gwen John: Art and Life in London and Paris', Pallant House Gallery, Chichester, 13 mai – 8 octobre 2023 Visit Here 'Marc Chagall and the Bible', Wycliffe College, Toronto, 16 mai – 15 octobre 2023 Visit Here

« Louis Carreon : Redención », Teatro Peon Contreras, Yucatán, Mexique, 4 mai – 4 août 2023 Visitez ici « When the Apple Ripens : Peter Howson at 65: A Retrospective », City Art Centre, Édimbourg, 27 mai – 1er octobre 2023 Visitez ici « A Brush With Evil », Ben Uri Gallery – Peter Howson, 14 juin – 14 juillet 2023 ; Laura Knight, 26 juillet - 1er septembre 2023 Visitez ici 'Essence of Nature: Pre-Raphaelites to British Impressionists', Laing Gallery, Newcastle, 27 mai - 14 octobre 2023 Visitez ici '[SHELTER]', Museo Spazio Pubblico, Bologne, 29 juin - 29 juillet 2023 Visitez ici 'Cecilia Vicuña: Sonoran Quipu', Museum of Contemporary Art Tucson, Arizona, 27 janvier – 10 septembre 2023 Visitez ici « Yun Hyong-keun », Hastings Contemporary, 10 juin – 1er octobre 2023 Visitez ici « Soojin Kang : To Be You, Whoever You Are », Gathering, Londres, 11 mai – 17 juin 2023 Visitez ici « Disability and the Divine », Peterborough Cathedral, 16 mai – 7 juillet 2023. Visitez ici « Reverend Joyce McDonald', Maureen Paley, Studio M, Londres, 1er juin – 30 juillet 2023 Visiter ici 'Hospitality, Peace and Reconciliation', The Ammerdown Centre, 1er juin – 16 juillet 2023 Visiter ici

Paroles du révérend Jonathan Evens ©Artlyst 2023

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