Rose B. Simpson pense en argile

Jul 17, 2023

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"L'argile était la terre qui faisait pousser notre nourriture, était la maison dans laquelle nous vivions, était la poterie dans laquelle nous mangions et avec laquelle nous priions", explique le sculpteur amérindien et étoile montante.

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Par Jori Finkel

ESPAÑOLA, NM - L'artiste Rose B. Simpson était assise dans sa Chevy El Camino 1985 à l'intérieur de son atelier de métallurgie, essayant de faire démarrer la voiture. Elle ouvrit le capot, tourna le contact puis appuya légèrement sur la pédale d'accélérateur. Après avoir répété cela plusieurs fois, la voiture a commencé à gronder bruyamment.

Ce n'était pas sa voiture de tous les jours, mais plus proche d'une œuvre d'art qu'elle a réalisée au cours des 10 dernières années, ici dans la voiture autoproclamée capitale lowrider du monde. Simpson a réparé de grosses bosses en apprenant à façonner le métal dans une école de carrosserie. Elle a remplacé le moteur par celui qu'elle a acheté dans un magasin de course à Phoenix. Et elle a peint l'extérieur avec un dessin géométrique noir sur noir, brillant et mat et a nommé la voiture Maria en hommage à la célèbre potière Tewa Maria Martinez du San Ildefonso Pueblo, décédée en 1980.

"Maria est aussi près que moi de faire de la poterie traditionnelle", a déclaré Simpson, 38 ans, membre inscrit du Santa Clara Pueblo (Kha'po Owingeh), basé juste au sud d'Española. Elle appartient à une longue lignée d'artistes céramistes qui remonte à des centaines d'années. Mais au lieu de fabriquer la poterie rouge ou noire solide et brillante pour laquelle son pueblo est connu, elle est acclamée par le monde de l'art pour ses puissantes figures androgynes d'argile, souvent avec des ornements en métal qui ressemblent à des bijoux ou à une armure ou les deux.

Après avoir montré Maria ("Je dois travailler au ralenti"), Simpson a traversé un patio jusqu'à son atelier de céramique sur la propriété, une petite structure en adobe avec une "salle blanche" pour coudre et dessiner à l'arrière. Une douzaine de ses silhouettes tendres et féroces se tenaient devant, entassées. Certains portaient des colliers de perles tandis que d'autres attendaient d'être ornés de pièces de voiture - engrenages métalliques et disques de frein - comme une bande hétéroclite de guerriers se préparant au combat.

Plusieurs de ces sculptures, qu'elle appelle "êtres" ou "ancêtres", se dirigent désormais vers les musées de la côte Est : 11 œuvres récentes à l'ICA Boston en août, et une nouvelle commande au Fabric Workshop and Museum de Philadelphie en octobre. Et le 18 juin, une série de 12 personnages élancés en béton coulé présidera une propriété à Williamstown, Mass., connue sous le nom de Field Farm, dans le cadre d'un programme d'art public dirigé par le groupe conservateur The Trustees.

Appelées « contre-culture », les figures ressemblant à des hermes de neuf pieds de haut ont une présence d'un autre monde grâce à un effet visuel saisissant : Simpson a creusé des trous pour les yeux qui vont jusqu'à l'arrière de leur tête, laissant passer la lumière ou la vie.

"Quand vous verrez la lumière traverser leurs yeux, ce sera comme si le ciel vous voyait", a ajouté l'artiste, expliquant qu'elle pensait à l'exploitation mondiale des ressources naturelles. "Je voulais retourner ce script pour que ces ressources vous regardent de manière intimidante."

Craignant que la céramique à cette échelle ne soit fragile, Simpson a fabriqué ses moules pour "Counterculture" en sculptant des versions grandeur nature en bois. Mais même ces travaux ont commencé avec des maquettes d'argile.

"Je pense en terre battue", a-t-elle déclaré. "L'argile était la terre qui faisait pousser notre nourriture, était la maison dans laquelle nous vivions, était la poterie dans laquelle nous mangions et avec laquelle nous priions. Ma relation avec l'argile est donc ancestrale et je pense qu'elle a une mémoire génétique profonde. C'est comme un membre de la famille pour nous." Elle se souvient avoir vu son arrière-grand-mère, l'artiste Rose Naranjo, parler à son argile, et elle a dit que sa mère, Roxanne Swentzell, avait appris à sculpter des figures comme un moyencommuniquer bien avant de parler.

Alors que Swentzell réalise des sculptures magnifiquement lisses de femmes autochtones engagées dans des activités quotidiennes, Simpson a tendance à rendre les choses plus difficiles. Elle laisse les surfaces de ses personnages inégales et ajoute des ornements en métal, cuir et autres matériaux pour créer, selon les mots de la conservatrice de Los Angeles Helen Molesworth, "une ambiance badass, 'Mad Max', 'Blade Runner'".

Molesworth a vu le travail de Simpson pour la première fois en 2019 au Wheelwright Museum of the American Indian lors de vacances à Santa Fe. Elle a été tellement frappée par le "mélange de différentes textures, douces et dures" qu'elle a dit qu'elle se demandait si elle n'était pas simplement "heureuse en vacances". De retour chez elle, elle était toujours fascinée et a décidé de présenter Simpson dans une exposition collective, "Feedback", l'été dernier pour le galeriste new-yorkais Jack Shainman. L'année prochaine, Simpson aura une exposition personnelle avec Shainman et une autre à San Francisco avec sa galerie de trois ans, Jessica Silverman. (Les galeristes ne fourniraient pas la fourchette de prix pour le travail de Simpson.)

Molesworth compare Simpson aux artistes Simone Leigh, Wangechi Mutu et Karon Davis, qui ont insufflé une nouvelle vie à la tradition de la sculpture figurative occidentale, en mettant fortement l'accent sur les mémoriaux et les monuments. "La plupart des sculptures figuratives offrent un corps imperméable, fort, puissant", a-t-elle déclaré. "Mais pour ces femmes, le corps a aussi une certaine qualité d'intimité ou de vulnérabilité. Je pense que c'est inhabituel à voir." Dans le cas de Simpson, a-t-elle ajouté, l'argile joue un grand rôle : "Il y a une fragilité et une vulnérabilité dans le matériau."

Alors que Simpson travaille en Española sur une propriété familiale, elle vit avec sa jeune fille sur le Pueblo de Santa Clara où elle a grandi. Elle y a été élevée principalement par sa mère après le divorce de ses parents. Elle a dit que son père, un artiste blanc, l'avait emmenée faire de l'escalade et lui avait appris à naviguer sur un réservoir local. "Il a eu le temps de jouer avec moi, pendant que ma mère survivait", a-t-elle dit, qualifiant la situation d'"extrême pauvreté". Elle a poursuivi en louant l'ingéniosité de sa mère et « sa profonde relation avec la terre ».

"Nous avons cultivé la plupart de nos aliments. Nous avons mangé nos animaux de compagnie", a-t-elle déclaré, mentionnant les dindes, les poulets et les cochons. Elle se souvenait également que sa mère fabriquait ses chaussures à la main : découpant des pneus crevés récupérés de la décharge avec une scie sauteuse, puis cousant des lanières de cuir sur le caoutchouc.

Simpson a été scolarisée à domicile jusqu'au lycée, lorsqu'elle est allée à l'école indienne de Santa Fe, a rejoint le comité de l'annuaire et a rempli le livre de dessins de ses camarades de classe dans des styles inspirés par ses artistes de bande dessinée préférés, dont Los Bros Hernandez de " Love and Rockets ". Après des études supérieures à Albuquerque et Santa Fe, elle intègre la Rhode Island School of Design pour une maîtrise en beaux-arts. Là, elle a découvert que ses sculptures plus raffinées et réalistes créaient "un langage visuel que les autres ne parlaient pas ou ne comprenaient pas".

Un tournant s'est produit lors d'un voyage scolaire en 2010 à Kashihara, au Japon. Rencontrer les traditions esthétiques japonaises qui privilégient l'acceptation du processus à la perfection de la forme - et ne font pas de distinction entre l'art et l'artisanat - l'a aidée à réfléchir plus sérieusement à l'héritage créatif de son pueblo et au sien. "J'ai été larguée dans un monde où j'étais complètement incapable de communiquer, ce qui pour moi n'était pas sans rappeler le monde de l'art occidental", a-t-elle déclaré. "J'ai réalisé que mes œuvres devaient devenir beaucoup plus précises et claires."

Sa clarté est venue sous la forme d'une technique qu'elle a conçue qu'elle appelle "slap-slab", qu'elle utilise encore aujourd'hui aux côtés des méthodes de poterie traditionnelles. Il s'agit de jeter une plaque d'argile sur le côté sur un sol ou une table jusqu'à ce qu'elle soit très fine, peut-être un seizième de pouce. Puis elle arrache des morceaux à la main et les appose les uns aux autres, avec un effet qui ressemble à du papier mâché. "Vous pouvez voir les coutures, les pincements, les empreintes digitales, tout cela", a-t-elle déclaré.

Slap-slab embrasse l'imperfection et l'intuition. "Si vous pouvez entrer dans un endroit intuitif, je crois que vous pouvez vraiment chatouiller l'endroit intuitif chez les autres." Cela lui a également donné une métaphore pour apprendre à s'accepter, les morceaux et tout – ou "construire un muscle d'acceptation et trouver de la compassion pour les parties les plus compliquées et les plus compliquées de nous-mêmes".

Il y a près de six ans, Simpson est devenue mère célibataire, ce qui a également façonné son travail. En tant que formes d'argile creuses, ses sculptures étaient déjà des récipients dans une certaine mesure, mais maintenant elle joue explicitement avec la notion du corps féminin en tant que récipient, un véhicule pour se nourrir. Certaines de ses silhouettes se sont arrondies et portent des bébés sur leurs épaules. Celui qui est apparu dans "Feedback" grouille d'enfants - maintenus ensemble par une armature en acier qui semble être à la fois une cage et une salle de sport dans la jungle. Leurs visages ressemblent à ceux de l'artiste et de sa fille. "Vous ne pouvez pas raconter l'histoire de quelqu'un d'autre. Vous ne pouvez raconter que la vôtre", a-t-elle proposé.

Bien qu'elle considère son travail comme spirituel, Simpson veille à ne pas partager de détails sur les pratiques religieuses ou les croyances de Santa Clara Pueblo. "Les autochtones ont été soumis à tellement de stéréotypes que je dois faire très attention à cela – nous avons vu à travers l'histoire comment le travail spirituel est simplement englouti, recraché, exploité", a-t-elle déclaré. "Des gens ont été expulsés de la tribu pour avoir fait de l'art faisant référence à une croyance spirituelle spécifique."

Elle a développé sa propre symbolique, avec des signes "+" pour marquer les quatre directions cardinales, suggérant un voyage, et des signes "x" pour représenter la "protection". (De quoi ? « Des forces négatives », dit-elle.) Les signes sont tatoués sur ses doigts et apparaissent sur ses sculptures.

Ensuite, il y a les bijoux audacieux qui décorent ses sculptures. Miranda Belarde-Lewis, érudite et conservatrice zuni/tlingit qui enseigne à l'Université de Washington, y voit un moyen pour Simpson de transmettre à la fois l'identité ancestrale et individuelle. "La force qu'elle a apprise de sa mère, la force d'être elle-même en tant que femme Pueblo, transparaît si fort dans ses œuvres", a-t-elle déclaré. "Vous pouvez voir cette confiance dans l'expression de défi sur leurs visages, mais aussi dans la quantité de bijoux qu'ils portent et dans la taille de leurs boucles d'oreilles", a-t-elle déclaré, ajoutant : "C'est important dans les communautés autochtones - nous aimons nos boucles d'oreilles."

L'idée de « Contre-culture », qui durera un an, est une cascade de colliers de perles. Après en avoir fait elle-même, Simpson a également invité le Stockbridge-Munsee Community Band of Mohican Indians, sur la terre ancestrale de laquelle se trouve la Field Farm, à fabriquer des colliers de perles à partir d'argile de leur terre pour orner ses corps sculptés. Son plan est d'ajouter plus de colliers des communautés autochtones au fur et à mesure que les personnages voyagent.

"Où qu'ils aillent, je me connecterai avec les gens dont la patrie ancestrale est là pour construire une sorte de relation", a-t-elle déclaré. "De nombreuses tribus ont été déplacées, déplacées de leurs propres terres. Je voulais donc avoir l'opportunité de remettre leur argile entre leurs mains."

Une version antérieure de cet article a mal identifié l'emplacement de l'atelier et du musée du tissu. C'est à Philadelphie, pas à Pittsburgh.

Comment nous gérons les corrections

Jori Finkel est un journaliste qui couvre l'art de Los Angeles. Elle est également rédactrice en chef de la côte ouest pour The Art Newspaper et auteur de "It Speaks to Me: Art that Inspires Artists".

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